基礎から学ぶ！水彩画から油絵まで、絵画の技法と種類について解説します

美術館やギャラリー、またはメディアのアート特集などで目にする絵画作品。
  「興味はあるけれど、難しそうだな…」と感じている方も多いのではないでしょうか。

アートを身近に感じたい方に向けて、ここでは西洋絵画の技法・種類を解説します。

作品例もご紹介しているので、「この絵ってこうやって描かれていたんだ！」などの新たな発見があれば嬉しいです。

「支持体」は、絵具などで彩色されることで作品となるもの。
どの支持体を選ぶかによって、作品は大きく変わります。

特にポピュラーな5種類をご紹介します。

紙

絵画の支持体に使われる紙（洋紙）には、画用紙・水彩紙・クロッキー用紙・ケント紙など多様な種類があります。

製造工程の違いによって、酸性紙・中性紙・無酸紙に分けることもできます。
中性紙・無酸紙は劣化しづらいため、長期保存も可能です。

有名画家のクロッキーやスケッチ・デッサンは、美術館に収蔵されているものもたくさんあります。
画家の制作過程が分かる貴重な資料です。

現代のイラストや絵本・漫画の原画も、紙を支持体としているアートといえます。

油絵・水彩画・ペン画など、絵画は技法によっても分けられます。

古くからある技法から最新技術まで、作品例とともにご紹介します。

油絵

油絵は、顔料に植物油を混ぜた「油絵具」を使った絵画。
15世紀前半、ネーデルランド（現オランダ・ベルギー）で登場しました。

当時は画家やその弟子たちが顔料を砕き、油で練って作っていました。
金属製チューブ入りの油絵具が登場したのは1828年。1840年ごろから現在の形になっています。

油絵では絵具を重ねて力強い表現も、薄く伸ばして透明感のある表現もできます。
耐久性が高く、数百年経っても鮮やかさを保てるのも特徴です。

テンペラ画

テンペラ画は、顔料を卵や油・樹脂で練った絵具で描く技法です。

中世イタリアで発展し、油絵具が登場するまでは最もポピュラーな絵画技法でした。
ルネサンス期の絵画は、多くが木板にテンペラで描かれています。

テンペラは乾燥が早いため、絵具を何層も塗り重ねた繊細な表現ができるのが特徴です。
けれども、グラデーション・透明感が出せないなどの欠点もあります。
この欠点を乗り越えるため、細い線の密度で濃淡をつける「ハッチング」などの絵画技法が生み出されました。

作例：ラファエロ・サンティ「自画像」、 アンドリュー・ワイエス「クリスティーナの世界」など

水彩画

水彩画では、水で溶いた絵具を使います。
現代の水彩画に近い技法は、16～17世紀のヨーロッパで生まれました。

水彩画では混色をせず、色を重ねてさまざまな色を表現します。
例えば赤を塗って乾かし、その上に青を塗り重ねると紫になるイメージです。
この「重色」によって、水彩画では濁りのない瑞々しい表現ができます。

支持体に水分を多く含ませ、ぼかし・にじみの効果を生み出すのも水彩画の特徴です。
なんともいえない柔らかな色調は、多くの美術家に好まれています。

作例：アルブレヒト・デューラー「野うさぎ」、いわさきちひろ「スイートピーとフリージアの少女」など

アクリル画

顔料とアクリル樹脂を混ぜた絵具で描くのがアクリル画です。

アクリル絵の具が開発されたのは1930年代。
1940年代後半には一般販売が始まり、ポップアートの作家たちに好んで使われるようになりました。

アクリル絵の具には、水彩絵の具のように使える「アクリルカラー」と不透明でマットな仕上がりの「アクリルガッシュ」があります。
表現の幅広さが魅力の技法です。

作例：ロイ・リキテンスタイン「ヘア・リボンの少女」、草間彌生「かぼちゃ」など

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